Un lugar posible

Mar 10, 2019 La Quinta Pata Cine Comentarios desactivados en Un lugar posible

Por Mariana Palazzi

Mi comentario de esta semana es para la película con la cual debutó como director de cine Michel Hanake que es, además, parte de la Trilogía de la Glaciación Emocional. Hanake es uno de mis realizadores predilectos, el film se llama “El séptimo continente” es del año 1989. Completan la trilogía Bennys video (1992) y 71 fragmentos de una cronología al azar (1994).

Este director es austriaco nacido en Múnich, asistió a la Universidad de Viena, estudio filosofía, psicología y drama; de familia de actores, en la década del 60´ trabajo como crítico de cine. Sus comienzos fueron tanto en el teatro como en la televisión. Posee una trayectoria de más de 40 años en los medios de comunicación, sus películas aclamadas son Amor (2012), La pianista (2001) y la Cinta Blanca (2009) entre otras, su último film “Happy End” del 2017 es un despliegue de su evolución como director sin correrse ni un ápice de su estilo personal. Actualmente además de dirigir ejerce como profesor de dirección en la Academia de Cine de Viena. En una entrevista, cuestionado respecto de la violencia de sus films afirma: “Nadie está obligado a ir al cine, y menos ver mis películas. En el cine comercial la violencia se trata como un bien de consumo, como algo que está por fuera del espectador por eso muestro que, de alguna manera somos cómplices de esa violencia”.

El séptimo continente, es el título de la película basada en hechos reales. Hace alusión a lo que nos va a mostrar en el principio de la parte uno, un cartel de Australia como paraíso, otro lugar posible donde la abulia de la vida burguesa sin sobresaltos no tendría lugar. La película está divida en tres partes que básicamente son periodos en la familia protagonista donde vemos el transcurrir de su cotidianeidad según algunos comentarios en blogs de críticas de cine Hanake hace un uso abusivo de la lentitud respecto de los actos que van sucediéndose, en mi opinión particular sin ese detenimiento de la imagen no sería posible adentrarse en la trama narrativa que posee una carga de violencia de difícil elaboración que, además, da cuenta de este estilo singular y meticuloso del director. La trama es sencilla, una familia de clase media en la Alemania enfrentándose a las vicisitudes de la vida que en un momento deciden marcharse a un lugar mejor.

La paleta de colores que utiliza en el recorrido del film es dentro de la gama de los colores fríos, lo cual le da el tono al clima de la película. Anne y George son la pareja y su pequeña hija, Eva. Anne ha perdido a su madre recientemente y de alguna forma está intentando apoyar a su hermano quien aún no ha podido consolarse del todo respecto de la perdida. En la primer parte vemos una cena que comparten los cuatro y la reacción de la familia respecto al dolor del tío, también en este fragmento asistimos a los recursos de lo que va aconteciendo respecto de lo que va viviendo dentro de su núcleo familiar. Hay una escena en la escuela de Eva en donde ella arguye que no puede ver a lo cual la maestra actúa y en el cuadro siguiente vemos que Anne, su madre es oftalmóloga lo que podría deslizarse como un pedido de atención o falta de cariño, cuestión que no es tal marcando claramente que hay un mas allá en la imposibilidad del vínculo con otros.

En la segunda parte podemos apreciar como repite secuencias sobre las vivencias familiares para evitar el simplismo del hastío, la película tiene detalles muy interesantes respecto que van marcando sutiles movimientos, en la tercera y última parte luego de pasar un fin de semana los abuelos paternos de Eva la familia decide emprender su viaje. El esquema tripartito responde a un estilo de narración ordenado, presentación, nudo y desenlace que en la tercer parte de la trilogía va a cuestionar.

Claramente no estamos en la Alemania de los 90´una sociedad fuertemente criticada por el autor pero ese sin sentido que nos muestra Hanake está impregnado en la subjetividad de cada uno, incluso está presente en nuestra realidad no de forma extremadamente visible, al contrario sublimado en los actos habituales que pierden el sentido respecto de que son parte de nuestra vida y esta es lo que es.

Lacan hablo de la agresividad, haciendo el distingo entre agresión y agresividad, la agresión está en el acto agresivo (Seminario I) y la agresividad en todos los actos del espectro humano porque es constitutiva de nuestro ser, esto se da porque nuestra primera identificación es a un cuerpo fragmentado y cualquier imagen de completud se vivencia como una amenaza, la primera identificación que es la base de las demás, por ende compartimos la agresividad como constitutiva de nuestro ser, negarlo es situar la violencia por fuera de nuestro ser, como bien nos expone este director al colocarla en una pantalla dentro de otra pantalla y así de alguna manera devolver la imagen y mostrarnos que esa angustia es nuestra.

Retomando los dichos del propio director la agresión no está afuera, está adentro nuestro y poder verla en la pantalla podría servir para repensarse en el sentido de los actos que ejecutamos, no para martirizarnos sino para atenuarla y porque no, transformarla.

Las relaciones con los demás tienen un sustrato erótico y un sustrato agresivo, ambivalencia que porta todo vínculo que por estar culturizados, amenizamos. La pregunta que deja expuesta el film apunta según mi criterio a repensar cuanto de la agresividad constitutiva podemos tramitar y cuanto habría que exteriorizar. Es una película que te invita a pensarte sin moralina, justificar un acto ante uno mismo es darle un sentido y poder de algún modo hacerse cargo, incluso de un acto agresivo de este punto se desprende una ética no martirizante ni altruista, el tan mentado justo medio que permite vincularme con otro.